上图为高清话剧影像《初步举证》剧照。
在信息技术高度发展的今天，高清舞台艺术影像能够帮助舞台剧突破空间地域的局限，把经典的舞台剧作品带到世界的各个角落，让更多观众有条件享受舞台剧的魅力。
高清舞台艺术影像，是把话剧、戏曲等舞台艺术作品经过摄影机拍摄、后期处理之后，在大银幕上进行播放的一种媒介艺术形式。今年颇具话题度的《初步举证》就是典型的高清话剧影像。对于大多数人而言，这种艺术形式尚属新鲜，但事实上它在海外已发展数十年，进入中国也已有十年，显现出独特的艺术魅力，值得一番剖析。
用镜头记录舞台艺术有着悠久的传统，早在1905年，中国第一部电影《定军山》就是一部京剧纪录片。但是，当电影艺术走向成熟，尤其当商业电影成为大众电影的主流后，舞台剧影像就逐渐淡出了人们的日常观影范畴。在很长一段时间里，它们主要起到记录、保存、宣传经典舞台艺术的作用。
近年来，欧洲逐渐利用当代影视技术拍摄舞台剧，并以商业电影的方式播出，逐渐发展为如今的高清舞台艺术影像。从舞台剧到舞台影像，这一媒介转换带来的最直观的结果便是可复制与可传播，作品有了更广的传播范围、更多的受众，而观众可以用相对实惠的价格，观看高清晰度、高水准的舞台演出。
由此而来的值得进一步探讨的问题是，高清影像在艺术性方面有着怎样的特点？它与舞台剧和电影有着怎样的关系？它能够被看作一种新媒介的艺术吗？
首先，高清舞台艺术影像并非简单地用摄影机“记录”舞台，它还能够通过镜头语言，适当地强调或弱化舞台上的内容——这些镜头语言包括景别的变化、多视角拍摄与剪辑的运用。
景别的变化十分直观，影像不光近距离记录了演员的表演，还通过大银幕将画面成倍放大，观众可以更清晰地看到舞台上的细节。
同时，影像还能够通过特写镜头，放大演员的情绪表达，从而强化表演带来的冲击力。当然，记录舞台的摄影机并非一成不变，拍摄组往往会用几个或十几个摄影机，从不同角度拍摄舞台，这进而为剪辑提供了基础。所有的镜头语言最终都聚焦于一个目的——精准地传达舞台剧的每一个艺术意图。
我们能够看到，在《初步举证》中，当女主角在法庭上回顾被男同事强暴的经过时，景别在全景、中景和特写间无序切换，时而展现女主角在舞台上茕茕孑立的无助，时而又特写她失去血色的面孔和颤抖的肢体；镜头也在多个视角之间快速剪辑拼接，跟随女主角局促、激动的动作，令观众也感到眩晕、烦躁。
更进一步说，舞台剧与影视的结合，不仅能够强调或减弱舞台效果，还能够制造新的艺术语言。
一般情况下，舞台剧的观众都在舞台的前方或斜上方，摄影机的拍摄视角也基本在这一范围内，这还原了观众观剧的一种理想视角。但是，在不少舞台剧影像中，摄像机可能对准观众，他们入场、观剧时候的情态也会成为影像的一部分。在呈现角色间的对话时，传统观众往往只能在旁观者视角上观看对话，但摄影机镜头却能交替拍摄对话中的演员，从而呈现角色在对方眼中的模样，这种切镜方法在影视剧中很常见，但对于舞台剧而言却是头一次。
除却寻常的观赏视角外，影像还可以呈现某些不可能的视角，例如俯拍舞台——在一部讲述城市规划师的话剧影像《直线偏执狂》中，垂直于舞台的镜头呈现了一张铺展在舞台上的纽约市地图，它帮助观众直观地看到主角是如何改造城市的；而此后，剧中角色踩在地图的“市中心”与“郊区”的表演，就有了权力中心与权力边缘的隐喻。
即便只是寻常的拍摄技法的运用，也可能让观众的观剧体验发生剧变。在俄罗斯经典音乐剧《安娜·卡列尼娜》中，舞台背后设置了一块巨大的显示屏，显示屏上播放着提前制作好的多媒体视频。对于现场观众而言，屏幕上的视频只起到背景和环境渲染的作用，因为全景视野能让他们始终意识到这是一场舞台剧，但高清影像的镜头却可以缩小景别，把舞台排除在外，只拍摄演员和屏幕，让观众产生一种看影视剧的错觉。
另外，随着高清影像被更多人接受，舞台剧也为影像呈现做出了改变。由于镜头能够呈现舞台和演员的更多细节，因此被安排进行高清影像录制的场次，演员的妆造要求会更高，力求不出现瑕疵。编剧和导演还可能为拍摄而调整剧本。在英国国家剧院上演的莎士比亚戏剧《第十二夜》中，马伏利亚向薇奥拉表白的一场戏原本发生在花园中，但到了高清摄制版中却发生在一处三角构图台阶上，这样的改动让镜头里的画面有了独特的几何美感。
当然，舞台剧影像也无法呈现舞台剧全部的魅力。经典舞台剧的每一场表演都是特殊的，对于同一段内容，不同艺术家在不同时期的表演各有特点，但影像往往只能记录最符合标准化需求的那一场。另外，对于传统舞台剧观众而言，目光可以随时在整个舞台上自由移动，而影像则可能限制这种自由的审美眼光。甚至对于某些戏曲作品而言，舞台之外的器乐演奏也是颇具欣赏价值的一部分，但却可能被影像所忽略。经典舞台剧与高清影像二者间的区别，一部分来自于舞台影像艺术的不完善，而另一部分则来自于二者本身的媒介差异，难以弥合。也正因如此，舞台剧影像可以成为当代观众靠近经典舞台艺术的中介，熟悉影像艺术的观众通过它们，逐渐了解舞台艺术，并更多地走进剧院感受经典舞台艺术的独特魅力。
在信息技术高度发展的今天，高清舞台艺术影像能够帮助舞台剧突破空间地域的局限，把经典的舞台剧作品带到世界的各个角落，让更多观众有条件享受舞台剧的魅力。我国有着悠久的舞台剧文化传统，诞生了大量优秀的戏曲作品；同样也有许多文艺工作者从事话剧、音乐剧、舞剧等剧种的创作，但受限于地区、价格、接受门槛等因素，这些作品往往只在小众圈子里传播。而《初步举证》在中国院线的票房成功可以说明，高清影像这样的新大众艺术媒介能够为舞台剧带来助益——当然，这有赖于一套将舞台艺术与影院艺术相结合的新形式。
但是，我们不应盲目高估新形式的潜力，高清舞台剧影像在“生产-消费”层面的现实状况是不容忽视的。制作一台高质量的高清影像，其花销动辄上百万。以NT Live（National Theatre Live，英国国家剧院现场）为代表的制作方，之所以能够持续产出高质量的影像，在于他们有着持续的舞台剧创作能力、全球范围内庞大的戏剧爱好群体以及成熟的营销和接受体系（如点播模式、明星效应、教育市场等）。如今，中国的舞台剧市场正在逐渐扩大，一些年轻观众也愿意走进剧场观剧，而某些出色的舞台剧也屡屡“出圈”，一票难求，这是舞台艺术进一步发展与传播的市场基础。高清舞台艺术影像能够成为舞台剧的助力，但这并不意味着中国必须复制这一模式，更重要的启示在于，它提醒着中国文艺工作者，文化影响力的提高并不能只依靠小众圈子或几件“爆款”，它应该产生于成熟的文艺生态，这包括较大规模的受众与创作者，较完善的生产消费模式，对于剧作创新的鼓励与支持，以及整体艺术氛围和素养的培育。在这个基础上，新媒介、新形式所初步展现的潜力才可能成为滋养我们行业的现实。
（凌正 作者为首都师范大学艺术与美育研究院博士生）
上图为高清话剧影像《初步举证》剧照。
在信息技术高度发展的今天，高清舞台艺术影像能够帮助舞台剧突破空间地域的局限，把经典的舞台剧作品带到世界的各个角落，让更多观众有条件享受舞台剧的魅力。
高清舞台艺术影像，是把话剧、戏曲等舞台艺术作品经过摄影机拍摄、后期处理之后，在大银幕上进行播放的一种媒介艺术形式。今年颇具话题度的《初步举证》就是典型的高清话剧影像。对于大多数人而言，这种艺术形式尚属新鲜，但事实上它在海外已发展数十年，进入中国也已有十年，显现出独特的艺术魅力，值得一番剖析。
用镜头记录舞台艺术有着悠久的传统，早在1905年，中国第一部电影《定军山》就是一部京剧纪录片。但是，当电影艺术走向成熟，尤其当商业电影成为大众电影的主流后，舞台剧影像就逐渐淡出了人们的日常观影范畴。在很长一段时间里，它们主要起到记录、保存、宣传经典舞台艺术的作用。
近年来，欧洲逐渐利用当代影视技术拍摄舞台剧，并以商业电影的方式播出，逐渐发展为如今的高清舞台艺术影像。从舞台剧到舞台影像，这一媒介转换带来的最直观的结果便是可复制与可传播，作品有了更广的传播范围、更多的受众，而观众可以用相对实惠的价格，观看高清晰度、高水准的舞台演出。
由此而来的值得进一步探讨的问题是，高清影像在艺术性方面有着怎样的特点？它与舞台剧和电影有着怎样的关系？它能够被看作一种新媒介的艺术吗？
首先，高清舞台艺术影像并非简单地用摄影机“记录”舞台，它还能够通过镜头语言，适当地强调或弱化舞台上的内容——这些镜头语言包括景别的变化、多视角拍摄与剪辑的运用。
景别的变化十分直观，影像不光近距离记录了演员的表演，还通过大银幕将画面成倍放大，观众可以更清晰地看到舞台上的细节。
同时，影像还能够通过特写镜头，放大演员的情绪表达，从而强化表演带来的冲击力。当然，记录舞台的摄影机并非一成不变，拍摄组往往会用几个或十几个摄影机，从不同角度拍摄舞台，这进而为剪辑提供了基础。所有的镜头语言最终都聚焦于一个目的——精准地传达舞台剧的每一个艺术意图。
我们能够看到，在《初步举证》中，当女主角在法庭上回顾被男同事强暴的经过时，景别在全景、中景和特写间无序切换，时而展现女主角在舞台上茕茕孑立的无助，时而又特写她失去血色的面孔和颤抖的肢体；镜头也在多个视角之间快速剪辑拼接，跟随女主角局促、激动的动作，令观众也感到眩晕、烦躁。
更进一步说，舞台剧与影视的结合，不仅能够强调或减弱舞台效果，还能够制造新的艺术语言。
一般情况下，舞台剧的观众都在舞台的前方或斜上方，摄影机的拍摄视角也基本在这一范围内，这还原了观众观剧的一种理想视角。但是，在不少舞台剧影像中，摄像机可能对准观众，他们入场、观剧时候的情态也会成为影像的一部分。在呈现角色间的对话时，传统观众往往只能在旁观者视角上观看对话，但摄影机镜头却能交替拍摄对话中的演员，从而呈现角色在对方眼中的模样，这种切镜方法在影视剧中很常见，但对于舞台剧而言却是头一次。
除却寻常的观赏视角外，影像还可以呈现某些不可能的视角，例如俯拍舞台——在一部讲述城市规划师的话剧影像《直线偏执狂》中，垂直于舞台的镜头呈现了一张铺展在舞台上的纽约市地图，它帮助观众直观地看到主角是如何改造城市的；而此后，剧中角色踩在地图的“市中心”与“郊区”的表演，就有了权力中心与权力边缘的隐喻。
即便只是寻常的拍摄技法的运用，也可能让观众的观剧体验发生剧变。在俄罗斯经典音乐剧《安娜·卡列尼娜》中，舞台背后设置了一块巨大的显示屏，显示屏上播放着提前制作好的多媒体视频。对于现场观众而言，屏幕上的视频只起到背景和环境渲染的作用，因为全景视野能让他们始终意识到这是一场舞台剧，但高清影像的镜头却可以缩小景别，把舞台排除在外，只拍摄演员和屏幕，让观众产生一种看影视剧的错觉。
另外，随着高清影像被更多人接受，舞台剧也为影像呈现做出了改变。由于镜头能够呈现舞台和演员的更多细节，因此被安排进行高清影像录制的场次，演员的妆造要求会更高，力求不出现瑕疵。编剧和导演还可能为拍摄而调整剧本。在英国国家剧院上演的莎士比亚戏剧《第十二夜》中，马伏利亚向薇奥拉表白的一场戏原本发生在花园中，但到了高清摄制版中却发生在一处三角构图台阶上，这样的改动让镜头里的画面有了独特的几何美感。
当然，舞台剧影像也无法呈现舞台剧全部的魅力。经典舞台剧的每一场表演都是特殊的，对于同一段内容，不同艺术家在不同时期的表演各有特点，但影像往往只能记录最符合标准化需求的那一场。另外，对于传统舞台剧观众而言，目光可以随时在整个舞台上自由移动，而影像则可能限制这种自由的审美眼光。甚至对于某些戏曲作品而言，舞台之外的器乐演奏也是颇具欣赏价值的一部分，但却可能被影像所忽略。经典舞台剧与高清影像二者间的区别，一部分来自于舞台影像艺术的不完善，而另一部分则来自于二者本身的媒介差异，难以弥合。也正因如此，舞台剧影像可以成为当代观众靠近经典舞台艺术的中介，熟悉影像艺术的观众通过它们，逐渐了解舞台艺术，并更多地走进剧院感受经典舞台艺术的独特魅力。
在信息技术高度发展的今天，高清舞台艺术影像能够帮助舞台剧突破空间地域的局限，把经典的舞台剧作品带到世界的各个角落，让更多观众有条件享受舞台剧的魅力。我国有着悠久的舞台剧文化传统，诞生了大量优秀的戏曲作品；同样也有许多文艺工作者从事话剧、音乐剧、舞剧等剧种的创作，但受限于地区、价格、接受门槛等因素，这些作品往往只在小众圈子里传播。而《初步举证》在中国院线的票房成功可以说明，高清影像这样的新大众艺术媒介能够为舞台剧带来助益——当然，这有赖于一套将舞台艺术与影院艺术相结合的新形式。
但是，我们不应盲目高估新形式的潜力，高清舞台剧影像在“生产-消费”层面的现实状况是不容忽视的。制作一台高质量的高清影像，其花销动辄上百万。以NT Live（National Theatre Live，英国国家剧院现场）为代表的制作方，之所以能够持续产出高质量的影像，在于他们有着持续的舞台剧创作能力、全球范围内庞大的戏剧爱好群体以及成熟的营销和接受体系（如点播模式、明星效应、教育市场等）。如今，中国的舞台剧市场正在逐渐扩大，一些年轻观众也愿意走进剧场观剧，而某些出色的舞台剧也屡屡“出圈”，一票难求，这是舞台艺术进一步发展与传播的市场基础。高清舞台艺术影像能够成为舞台剧的助力，但这并不意味着中国必须复制这一模式，更重要的启示在于，它提醒着中国文艺工作者，文化影响力的提高并不能只依靠小众圈子或几件“爆款”，它应该产生于成熟的文艺生态，这包括较大规模的受众与创作者，较完善的生产消费模式，对于剧作创新的鼓励与支持，以及整体艺术氛围和素养的培育。在这个基础上，新媒介、新形式所初步展现的潜力才可能成为滋养我们行业的现实。
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