如果第一次见到杉本博司的作品，一定会被这介于“绘画”和“照片”之间的图像所震撼吧——在黑与白之间以灰度来显现的图景，以绝对精妙的质感来显现；在同一幅作品中，不同物品的材质都被细腻地还原出来：大理石的质感、马赛克的质感、瓷器的质感，就连空气中扬起的灰尘，也被敏锐地捕捉，留存在底片上。比起森山大道那般粗粝狂野的风格，杉本博司选择了另一条道路：这是去除了人类中心论的、在历史产生之前的、原始意识的摄影。
杉本博司的作品，就像用细砂纸打磨数百遍后的大理石那样细润、柔和，呈现出一种精度极高的石版画般的错觉，他的摄影中有种不是用手指而是用眼睛去抚摸的触感。那么，就引出了一个问题：如此惊人的作品是怎么拍出来的呢？这些作品，不仅是摄影师本身的经验积累和美学观念下的产物——杉本博司的照片们，也是他本身“技术宅”研究的成果。
使生硬的模型变得柔和逼真
说起跟摄影的缘分，杉本博司，这位日本著名的摄影师与建筑师，在12岁时拥有了第一台属于自己的专业相机玛米亚（Mamiya）6——世界上第一款6x6画幅可变换镜头旁轴式取景照相机，共有三款可选镜头，使用120底片，仅于1940至1960年间生产。相机原本是父亲带回来的。父亲不太会用，杉本就开始学着摆弄它，甚至在衣橱里建了个暗房。这台相机机身轻巧，一套大约1.5kg的重量让一个孩子也能轻易带着它出门。年少的杉本博司带着它四处游逛。在访谈中说起这段经历时，杉本博司笑着说他从那以后就开始自学成为一名摄影师：“当时，我只想看看外面的世界，我就像一个嬉皮背包客一样，离开了日本，很久都没有回去。”
于立教大学双修完经济学与西方哲学双学士学位后，1974年，杉本博司去往纽约，进入美国洛杉矶艺术中心设计学院学习摄影，并移居纽约。这个决定几乎改变了他的一生，因为他正是在1976年于美国自然史博物馆拍摄了早期最重要的系列作品《透视画馆》。这组作品目前也在UCCA尤伦斯当代艺术中心的“杉本博司：无尽的刹那”中展出。
杉本博司拍摄的这组相片，拍摄对象皆为美国自然史博物馆展示的模型。这些模型中有北极熊、兽群和原始人，背景也是自然博物馆中常见的史前世界介绍场景。但在杉本博司的摄影中，没有具体的光源与明确的光影，模型与背景都统一在灰白的色调中。这种灰色的色调，拉近了前景模型与背景的距离，也让这些生硬的模型变得柔和、逼真，好像某种真实存在过的活物一般。杉本博司如何做到这一点？这就有赖于在他在摄影器材和曝光时间上所做的实验。
用相机捕捉融化的时间
从1978年开始拍摄的《剧场》系列，是在《透视画馆》系列的基础上进行的另一次大胆尝试。杉本博司将镜头对准剧院的幕布，调大光圈，打开快门，在两个小时的曝光后，得到了这样的一张照片：剧院的建筑细节逼真到不真实，座椅、墙面装饰乃至幕布都因为屏幕的光源折射而闪闪发光。但影幕本身则变成了一块明亮的空白，留下的是细节。作为主题的影幕上所表演的内容，则像被切割后一般，从画面上消失了。这种体验和效果，也带给他本人巨大的震撼。这是只有相机能看到的，人眼无法看到的景象。用他的话来说，人的一生，便是只有一次的显影过程：从出生睁开双眼的那一刻，到临终闭眼为止，人类的曝光时间，也只有这一次。因此，要捕捉到人类双眼所捕捉不到的图景，便得使用相机，来完成脑海中的意象：
“我是先在脑海中形成了意象，然后再在现实世界中实现它。我以摄影来确认我的意象，作为一种证明。通常，摄影只需要非常短暂的快门时间。但在我这里，怎么说呢？要去融化时间，要把运动融化成某种东西，某种超出了我的人眼视觉，但相机可以捕捉到的非常独特的东西。”
杉本博司曾经向采访者展示他的大画幅摄影器材，说是装备也不为过。那是一台巨大的美国产木质老式折叠厢式相机，调整镜头时，需要把镜头辅助固定在相机底座的凹槽上。为了配合这台相机，杉本博司定制了一整套辅助拍摄装备，从滤光镜到不同焦距的镜头，还定制了海绵缓冲垫和专门工具箱用来装这套设备。拍完照的底片，会拿去自己的工作室冲洗。关于这套摄影技术，杉本自己也说过，要达到这个效果，配齐这些可不容易：
“可能大家会觉得显影很容易，用一般的方法去冲洗大画幅照片，无论如何都无法呈现出均匀的画面。透明度极高，没有一丝云的画面是最难的。假如画面不够清晰均匀，那就没法说这是空气的照片了。所以我花了约十年时间制造了一套完美的冲洗设备。”
模糊的海景是人类原初的记忆
展览中展出的《放电场》系列，则是杉本博司对于底片感光效应所作的一场测试。没有使用相机而是用能产生40万伏电压的范式起电机，给金属球充进十分钟静电，另一端的负极则是一张金属台面，上面摆放有底片；充电后的金属球作为阳极，接触作为负极的金属台面的瞬间，电流在底片上留下痕迹。冲洗后，就得到了黑色背景上闪电般的白色电光。本次展览中的另一件作品《笔触印象，心经》也是对于底片显影效果的实验。疫情过后，杉本发现许多尘封的底片已经变成了废片，便用毛笔蘸取显影液，在废弃的底片上抄写《心经》。奇妙的反应让这些文字显影后，保持了显影和书法笔触的双重效果。
地球在产生生命前，原始海洋被小行星和闪电反复刺激。然后，才形成了稳定的大气，海洋才开始成形，生物便从海洋中孕育而出……《海景》系列，也是杉本博司人生中最重要的作品。他以自己儿时与家人前往伊豆旅行的记忆为灵感，试图询问自己作为人类的最原始的记忆是什么？答案便是海景。站在大海前，他找回了自己的原初记忆。“我们应该再一次看看过去的海景，站在祖先的角度思考问题，希望我的作品可以让人类毁灭自己前，反思自己的所为。”
杉本博司的海景，几乎已经是一幅幅纯粹的抽象画，从白天到黑夜，海面与天空逐渐相融，变成一片激烈但静止的灰色；比起概括性的绘画语言，杉本博司拍摄的海景中的细微之处也令人动容，这是人类之古老共鸣。海景，并非以人类中心为视点，是以地球为视点去试图接近的画面。如果人在地面上最远能看到哪儿？那就是海平线吧。相信在展览中遇见这些作品的观众，都会从这原初的海面上得到自己的答案。
如果第一次见到杉本博司的作品，一定会被这介于“绘画”和“照片”之间的图像所震撼吧——在黑与白之间以灰度来显现的图景，以绝对精妙的质感来显现；在同一幅作品中，不同物品的材质都被细腻地还原出来：大理石的质感、马赛克的质感、瓷器的质感，就连空气中扬起的灰尘，也被敏锐地捕捉，留存在底片上。比起森山大道那般粗粝狂野的风格，杉本博司选择了另一条道路：这是去除了人类中心论的、在历史产生之前的、原始意识的摄影。
杉本博司的作品，就像用细砂纸打磨数百遍后的大理石那样细润、柔和，呈现出一种精度极高的石版画般的错觉，他的摄影中有种不是用手指而是用眼睛去抚摸的触感。那么，就引出了一个问题：如此惊人的作品是怎么拍出来的呢？这些作品，不仅是摄影师本身的经验积累和美学观念下的产物——杉本博司的照片们，也是他本身“技术宅”研究的成果。
使生硬的模型变得柔和逼真
说起跟摄影的缘分，杉本博司，这位日本著名的摄影师与建筑师，在12岁时拥有了第一台属于自己的专业相机玛米亚（Mamiya）6——世界上第一款6x6画幅可变换镜头旁轴式取景照相机，共有三款可选镜头，使用120底片，仅于1940至1960年间生产。相机原本是父亲带回来的。父亲不太会用，杉本就开始学着摆弄它，甚至在衣橱里建了个暗房。这台相机机身轻巧，一套大约1.5kg的重量让一个孩子也能轻易带着它出门。年少的杉本博司带着它四处游逛。在访谈中说起这段经历时，杉本博司笑着说他从那以后就开始自学成为一名摄影师：“当时，我只想看看外面的世界，我就像一个嬉皮背包客一样，离开了日本，很久都没有回去。”
于立教大学双修完经济学与西方哲学双学士学位后，1974年，杉本博司去往纽约，进入美国洛杉矶艺术中心设计学院学习摄影，并移居纽约。这个决定几乎改变了他的一生，因为他正是在1976年于美国自然史博物馆拍摄了早期最重要的系列作品《透视画馆》。这组作品目前也在UCCA尤伦斯当代艺术中心的“杉本博司：无尽的刹那”中展出。
杉本博司拍摄的这组相片，拍摄对象皆为美国自然史博物馆展示的模型。这些模型中有北极熊、兽群和原始人，背景也是自然博物馆中常见的史前世界介绍场景。但在杉本博司的摄影中，没有具体的光源与明确的光影，模型与背景都统一在灰白的色调中。这种灰色的色调，拉近了前景模型与背景的距离，也让这些生硬的模型变得柔和、逼真，好像某种真实存在过的活物一般。杉本博司如何做到这一点？这就有赖于在他在摄影器材和曝光时间上所做的实验。
用相机捕捉融化的时间
从1978年开始拍摄的《剧场》系列，是在《透视画馆》系列的基础上进行的另一次大胆尝试。杉本博司将镜头对准剧院的幕布，调大光圈，打开快门，在两个小时的曝光后，得到了这样的一张照片：剧院的建筑细节逼真到不真实，座椅、墙面装饰乃至幕布都因为屏幕的光源折射而闪闪发光。但影幕本身则变成了一块明亮的空白，留下的是细节。作为主题的影幕上所表演的内容，则像被切割后一般，从画面上消失了。这种体验和效果，也带给他本人巨大的震撼。这是只有相机能看到的，人眼无法看到的景象。用他的话来说，人的一生，便是只有一次的显影过程：从出生睁开双眼的那一刻，到临终闭眼为止，人类的曝光时间，也只有这一次。因此，要捕捉到人类双眼所捕捉不到的图景，便得使用相机，来完成脑海中的意象：
“我是先在脑海中形成了意象，然后再在现实世界中实现它。我以摄影来确认我的意象，作为一种证明。通常，摄影只需要非常短暂的快门时间。但在我这里，怎么说呢？要去融化时间，要把运动融化成某种东西，某种超出了我的人眼视觉，但相机可以捕捉到的非常独特的东西。”
杉本博司曾经向采访者展示他的大画幅摄影器材，说是装备也不为过。那是一台巨大的美国产木质老式折叠厢式相机，调整镜头时，需要把镜头辅助固定在相机底座的凹槽上。为了配合这台相机，杉本博司定制了一整套辅助拍摄装备，从滤光镜到不同焦距的镜头，还定制了海绵缓冲垫和专门工具箱用来装这套设备。拍完照的底片，会拿去自己的工作室冲洗。关于这套摄影技术，杉本自己也说过，要达到这个效果，配齐这些可不容易：
“可能大家会觉得显影很容易，用一般的方法去冲洗大画幅照片，无论如何都无法呈现出均匀的画面。透明度极高，没有一丝云的画面是最难的。假如画面不够清晰均匀，那就没法说这是空气的照片了。所以我花了约十年时间制造了一套完美的冲洗设备。”
模糊的海景是人类原初的记忆
展览中展出的《放电场》系列，则是杉本博司对于底片感光效应所作的一场测试。没有使用相机而是用能产生40万伏电压的范式起电机，给金属球充进十分钟静电，另一端的负极则是一张金属台面，上面摆放有底片；充电后的金属球作为阳极，接触作为负极的金属台面的瞬间，电流在底片上留下痕迹。冲洗后，就得到了黑色背景上闪电般的白色电光。本次展览中的另一件作品《笔触印象，心经》也是对于底片显影效果的实验。疫情过后，杉本发现许多尘封的底片已经变成了废片，便用毛笔蘸取显影液，在废弃的底片上抄写《心经》。奇妙的反应让这些文字显影后，保持了显影和书法笔触的双重效果。
地球在产生生命前，原始海洋被小行星和闪电反复刺激。然后，才形成了稳定的大气，海洋才开始成形，生物便从海洋中孕育而出……《海景》系列，也是杉本博司人生中最重要的作品。他以自己儿时与家人前往伊豆旅行的记忆为灵感，试图询问自己作为人类的最原始的记忆是什么？答案便是海景。站在大海前，他找回了自己的原初记忆。“我们应该再一次看看过去的海景，站在祖先的角度思考问题，希望我的作品可以让人类毁灭自己前，反思自己的所为。”
杉本博司的海景，几乎已经是一幅幅纯粹的抽象画，从白天到黑夜，海面与天空逐渐相融，变成一片激烈但静止的灰色；比起概括性的绘画语言，杉本博司拍摄的海景中的细微之处也令人动容，这是人类之古老共鸣。海景，并非以人类中心为视点，是以地球为视点去试图接近的画面。如果人在地面上最远能看到哪儿？那就是海平线吧。相信在展览中遇见这些作品的观众，都会从这原初的海面上得到自己的答案。
4月29日，钱江晚报消息，为进一步规范餐饮酒店行业无线电频率、无线电台设置使用行为，维护良好电波秩序，促进行业合法合规经营、健康有序发展，近日，浙江省经济和信息化厅、浙江省商务厅、浙江省文化广电和旅游厅联合印发《关 从携程等线上旅游平台发布的预定数据来看，今年“五一”期间的热门旅游县域中，既包括甘肃敦煌等历来较火的旅游目的地，也有江浙沪、京津冀等周边城市的县城，还有相对小众的县城，如浙江德清、福建平 近日，四川省成都市住房和城乡建设局发布关于印发《成都市2024年住房发展年度计划》的通知。2024年计划新增筹集保障性租赁住房3万套(间)，配租1.5万套(间);发放租赁补贴8000户，梯度化住房保障体系更加健全，住房保障水 充满年代感的氛围，地地道道的京味儿元素，舞台流动间，一部年代大戏的大幕拉开。5月1日，北京人艺年度原创京味儿大戏《永定门里》登上首都剧场的舞台。带观众看命运沉浮中的岁月无悔，感悟执着守望 “人生得意须尽欢，到点我是必下班”“职场三连：摸鱼、摆烂、等下班”……职场绝对是生产、聚集“淡人”心态最多的地方。如果有人认为自己在工作中能尽力完成任务，应该就算“浓人” 近日，格美荔波文旅演艺小镇项目投资合作协议签约仪式在贵州省荔波县举行。签约仪式上，荔波县简要汇报项目前期工作开展情况，格美集团汇报文旅演艺小镇规划设计情况，并由双方代表签订《格美荔波文旅演艺小镇项目投资合 。本文链接：“技术宅”杉本博司：用黑白灰描绘地球万物http://www.sushuapos.com/show-6-8000-0.html
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