今年泉州海丝戏剧周暨2024全国南戏展演来到第二届。在延续了第一届多个剧种展演的模式之外，戏剧周还增加了一个新项目——发起并邀请创作者参与“海丝新空间”戏剧孵化计划。
这一计划的初衷，是孵化有创新特质的戏曲作品和包含戏曲元素的跨界作品。评委会将遴选优秀方案，为青年艺术家提供创作辅导、场地、资金和实践机会，以挖掘、培育新人新作。
在活动启动之际，孵化计划评委会中的两位：梨园戏表演艺术家曾静萍和著名京剧演员王珮瑜，围绕自身戏曲创新的理念和心得，以及对青年创作的期待，进行了一次对话。
骨子老戏与创新实验构成“平行时空”
曾静萍：我们的动机和愿望是想为青年创作者提供一个机会。而且泉州是一个古老的城市，这些承载了历史文化、具有传统样式的闽南古厝，也可以为青年创作者提供一些创作灵感。
泉州这座城市孕育了多个数百年历史的古老剧种，而且它们还活在舞台上。在这里做戏曲的实验，也像一种古老和当代的平行时空，能让更多的人发现泉州、发现戏曲。
王珮瑜：戏曲创新的孵化，从艺术创作和学术的角度都非常有价值。这些年来我在京剧创作演出和传播的一线，有一点心得和经验，还有一些挫折和“踩过的坑”，也可以分享给同行们。参与孵化计划的评审，也促使我对过往产生的一些感受和想法进行回顾、复盘。
智慧地存储传统 传承是创新的依据
曾静萍：我一直说我是长着很传统的外壳，藏着一个很不“安分”的心。
学戏的时候，我要看看自身的条件跟这个戏的吻合度，老师父教给我的，我能学得像吗？我要吸取老师父的好，然后走适合我的那条路。我是一直遵循这样的理念往下走的。戏曲需要继承传统，但每个时代演员本体的气质是不同的，因此需要正视自己的长处和短板，寻找自己的艺术个性，智慧地存储传统。这需要毅力和良好的心态。
一部戏能传承几百年，是历代有智慧的演员在不断变化、更新、完善，以符合他们所处时代审美的追求，才能走到今天。有的戏没有传下来，是因为当时的老艺人在演绎这些戏的时候，缺乏对时代的回应，就被时代淹没了。
戏校出来的演员，在学艺的阶段，传统戏曲的印记已经留在我们身上了。毕业以后进入院团，很多好演员除了不断演绎传统戏，在新创戏中反而能够找到自己艺术的个性。这是艺术创作刺激人情感勃发的力量。创新难免会听到不同的看法和意见，但不要紧，传统戏还在我们身上，不要因为有不同的声音就不敢尝试。
王珮瑜：谈到戏曲创作的难点和重点，我想首先是处理创新和传承的关系。我们学习老戏，都是师父教、我们模仿，再加上大量的舞台实践，就可以完成老戏的表演。这种传承里也有一部分是创新，但这里的创新更多是辨别、区分，传承是创新的依据和基础。
每个戏曲演员都有自己艺术创作的执念和短板，我自己也一样，比如女性老生演员能够演的创新剧目是有限的。而即便演员塑造了很多人物，也未必每个角色都会得到认可和喜欢。因此我避开自己的短板，选择了一条在戏曲传播上创新的路。但是我保有的艺术的理性使我能够清醒地知道，我作为京剧的传人，做艺术创新应该朝什么方向走。
创新和传承如何平衡、创新的动力和目的是什么，是当代所有戏曲演员都必须面对和思考的。对此，每个人在不同阶段都会有不同的看法。有时创新是因为我们的艺术储备和积累到了一定阶段，水到渠成地很想去做新的尝试，而有时是有别的原因。
另外还需要平衡市场和政策的关系，把握好戏曲创新的度。我们不能闭门造车，不能挑战和轻视观众。因为观众都很敏感，都很有智慧。
艺术还是市场与艺术家共舞的永恒命题
王珮瑜：创新还有一个难点，是如何把握艺术追求与市场口味的平衡。我们应该创作有艺术价值的、经得起时间推敲的、有一些引导意识的，但可能有点晦涩的作品，还是做观众一看就明白的，喜闻乐见、易于流传，但是没那么高级的作品？这可能不应该叫困难，其实是千百年来都存在，始终和艺术家、和艺术创作共舞的现实命题。
由于现在快节奏的生活方式或者什么别的原因，很多年轻人对于戏曲本体的欣赏缺少耐心。明明可以两分钟讲完的故事情节，我为什么要看20分钟戏？但与此同时，很多年轻人喜欢戏歌，喜欢一些带有戏曲元素的妆面、服装等。从中能够感觉到，戏曲在年轻人中的接受和认知进入了一个新的阶段，也为我们的引导提供了新机会。
曾静萍：出现观众对欣赏戏曲缺乏耐心的情况，提醒我们其实也要反省自己，不要把问题推给观众。我们在很“缓慢”的演绎中，是不是表达得准确、精致，让观众愿意跟着演员的节奏，甚至是同频呼吸的程度？
王珮瑜：是的，所以我们不要给年轻创作者设限，不用规定必须唱西皮二黄，必须唱“皂罗袍”。只要创作方向是对的，给人积极向上的、美的享受，观众感受是好的，就应该鼓励。戏曲艺术的边界就会在实验中无限拓宽。
曾静萍：我本来有点担心，戏曲元素的加入会不会让不了解、不擅长戏曲的创作团队产生困惑，无法抓住想要表达的东西。中国戏曲如满汉全席，一起摆上桌，不了解的人很难领略其中的博大精深和美妙。所以我们考虑接下来进行一些戏曲展示，可以是程式，可以是演唱，也可以是曲牌、锣鼓点，做一些讲解，把戏曲直观地呈现给创作者。
不设限但也别太着急
王珮瑜：另外我觉得还是要尊重传统，返本开新。这是我一直主张和倡导的。尽管我们鼓励大家开放、不设限，但还是希望他们先去尊重传统，因为中国戏曲值得被关注和了解的东西太多了。如果一味地只是鼓励创新的话，创作者的思路可能会乱掉。所以我们不妨给他们一些抓手，就是传统戏曲的根。
比如说，中国戏曲是写意的、虚拟的、程式化的，不要在物件、道具上做过多的铺张浪费，这个我觉得是可以提倡的。中国的青年创作者，应该多尊重中国自己的好戏、好角。属于中国人的东方戏剧的创作理念具有很高的智慧，我们可以从中汲取养分。在跨界和创新的过程中，可以让年轻人领略中国人最高级的审美情趣。不用非要急着跟电音、街舞等形式做结合、捆绑。那些艺术也很好，但毕竟不是我们的。
曾静萍：我跟你有一样的想法。我希望他们的作品不要太着急，不要太过张扬，可以从细节入手，做内敛的表达也很好。不过我们说得太多，他们可能也会乱。
王珮瑜：这其实对于年轻人来说很难做到，但我们还是传递一个这样的观念和建议。
曾静萍：我希望青年创作者不要把我们当成评委或者导师，我们也不要带着身份去跟他们交流。我们互相认识、互相启发，共同完成艺术品创作的过程才是最重要的。其实很多年轻人很有想法，有的地方我们还不及他们，希望评委能和年轻人融在一起，产生更多的精神共识与共享。
今年泉州海丝戏剧周暨2024全国南戏展演来到第二届。在延续了第一届多个剧种展演的模式之外，戏剧周还增加了一个新项目——发起并邀请创作者参与“海丝新空间”戏剧孵化计划。
这一计划的初衷，是孵化有创新特质的戏曲作品和包含戏曲元素的跨界作品。评委会将遴选优秀方案，为青年艺术家提供创作辅导、场地、资金和实践机会，以挖掘、培育新人新作。
在活动启动之际，孵化计划评委会中的两位：梨园戏表演艺术家曾静萍和著名京剧演员王珮瑜，围绕自身戏曲创新的理念和心得，以及对青年创作的期待，进行了一次对话。
骨子老戏与创新实验构成“平行时空”
曾静萍：我们的动机和愿望是想为青年创作者提供一个机会。而且泉州是一个古老的城市，这些承载了历史文化、具有传统样式的闽南古厝，也可以为青年创作者提供一些创作灵感。
泉州这座城市孕育了多个数百年历史的古老剧种，而且它们还活在舞台上。在这里做戏曲的实验，也像一种古老和当代的平行时空，能让更多的人发现泉州、发现戏曲。
王珮瑜：戏曲创新的孵化，从艺术创作和学术的角度都非常有价值。这些年来我在京剧创作演出和传播的一线，有一点心得和经验，还有一些挫折和“踩过的坑”，也可以分享给同行们。参与孵化计划的评审，也促使我对过往产生的一些感受和想法进行回顾、复盘。
智慧地存储传统 传承是创新的依据
曾静萍：我一直说我是长着很传统的外壳，藏着一个很不“安分”的心。
学戏的时候，我要看看自身的条件跟这个戏的吻合度，老师父教给我的，我能学得像吗？我要吸取老师父的好，然后走适合我的那条路。我是一直遵循这样的理念往下走的。戏曲需要继承传统，但每个时代演员本体的气质是不同的，因此需要正视自己的长处和短板，寻找自己的艺术个性，智慧地存储传统。这需要毅力和良好的心态。
一部戏能传承几百年，是历代有智慧的演员在不断变化、更新、完善，以符合他们所处时代审美的追求，才能走到今天。有的戏没有传下来，是因为当时的老艺人在演绎这些戏的时候，缺乏对时代的回应，就被时代淹没了。
戏校出来的演员，在学艺的阶段，传统戏曲的印记已经留在我们身上了。毕业以后进入院团，很多好演员除了不断演绎传统戏，在新创戏中反而能够找到自己艺术的个性。这是艺术创作刺激人情感勃发的力量。创新难免会听到不同的看法和意见，但不要紧，传统戏还在我们身上，不要因为有不同的声音就不敢尝试。
王珮瑜：谈到戏曲创作的难点和重点，我想首先是处理创新和传承的关系。我们学习老戏，都是师父教、我们模仿，再加上大量的舞台实践，就可以完成老戏的表演。这种传承里也有一部分是创新，但这里的创新更多是辨别、区分，传承是创新的依据和基础。
每个戏曲演员都有自己艺术创作的执念和短板，我自己也一样，比如女性老生演员能够演的创新剧目是有限的。而即便演员塑造了很多人物，也未必每个角色都会得到认可和喜欢。因此我避开自己的短板，选择了一条在戏曲传播上创新的路。但是我保有的艺术的理性使我能够清醒地知道，我作为京剧的传人，做艺术创新应该朝什么方向走。
创新和传承如何平衡、创新的动力和目的是什么，是当代所有戏曲演员都必须面对和思考的。对此，每个人在不同阶段都会有不同的看法。有时创新是因为我们的艺术储备和积累到了一定阶段，水到渠成地很想去做新的尝试，而有时是有别的原因。
另外还需要平衡市场和政策的关系，把握好戏曲创新的度。我们不能闭门造车，不能挑战和轻视观众。因为观众都很敏感，都很有智慧。
艺术还是市场与艺术家共舞的永恒命题
王珮瑜：创新还有一个难点，是如何把握艺术追求与市场口味的平衡。我们应该创作有艺术价值的、经得起时间推敲的、有一些引导意识的，但可能有点晦涩的作品，还是做观众一看就明白的，喜闻乐见、易于流传，但是没那么高级的作品？这可能不应该叫困难，其实是千百年来都存在，始终和艺术家、和艺术创作共舞的现实命题。
由于现在快节奏的生活方式或者什么别的原因，很多年轻人对于戏曲本体的欣赏缺少耐心。明明可以两分钟讲完的故事情节，我为什么要看20分钟戏？但与此同时，很多年轻人喜欢戏歌，喜欢一些带有戏曲元素的妆面、服装等。从中能够感觉到，戏曲在年轻人中的接受和认知进入了一个新的阶段，也为我们的引导提供了新机会。
曾静萍：出现观众对欣赏戏曲缺乏耐心的情况，提醒我们其实也要反省自己，不要把问题推给观众。我们在很“缓慢”的演绎中，是不是表达得准确、精致，让观众愿意跟着演员的节奏，甚至是同频呼吸的程度？
王珮瑜：是的，所以我们不要给年轻创作者设限，不用规定必须唱西皮二黄，必须唱“皂罗袍”。只要创作方向是对的，给人积极向上的、美的享受，观众感受是好的，就应该鼓励。戏曲艺术的边界就会在实验中无限拓宽。
曾静萍：我本来有点担心，戏曲元素的加入会不会让不了解、不擅长戏曲的创作团队产生困惑，无法抓住想要表达的东西。中国戏曲如满汉全席，一起摆上桌，不了解的人很难领略其中的博大精深和美妙。所以我们考虑接下来进行一些戏曲展示，可以是程式，可以是演唱，也可以是曲牌、锣鼓点，做一些讲解，把戏曲直观地呈现给创作者。
不设限但也别太着急
王珮瑜：另外我觉得还是要尊重传统，返本开新。这是我一直主张和倡导的。尽管我们鼓励大家开放、不设限，但还是希望他们先去尊重传统，因为中国戏曲值得被关注和了解的东西太多了。如果一味地只是鼓励创新的话，创作者的思路可能会乱掉。所以我们不妨给他们一些抓手，就是传统戏曲的根。
比如说，中国戏曲是写意的、虚拟的、程式化的，不要在物件、道具上做过多的铺张浪费，这个我觉得是可以提倡的。中国的青年创作者，应该多尊重中国自己的好戏、好角。属于中国人的东方戏剧的创作理念具有很高的智慧，我们可以从中汲取养分。在跨界和创新的过程中，可以让年轻人领略中国人最高级的审美情趣。不用非要急着跟电音、街舞等形式做结合、捆绑。那些艺术也很好，但毕竟不是我们的。
曾静萍：我跟你有一样的想法。我希望他们的作品不要太着急，不要太过张扬，可以从细节入手，做内敛的表达也很好。不过我们说得太多，他们可能也会乱。
王珮瑜：这其实对于年轻人来说很难做到，但我们还是传递一个这样的观念和建议。
曾静萍：我希望青年创作者不要把我们当成评委或者导师，我们也不要带着身份去跟他们交流。我们互相认识、互相启发，共同完成艺术品创作的过程才是最重要的。其实很多年轻人很有想法，有的地方我们还不及他们，希望评委能和年轻人融在一起，产生更多的精神共识与共享。
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