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小的美，灵性的美，如画一般的美

发布时间: 来源：北京青年报

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展览：浮光：骆伯年的摄影探索

展期：2025年4月4日-6月1日

地点：三影堂摄影艺术中心

20世纪30年代，中国出现了一批立足于本土的优秀摄影师，无论是擅长宏大山水主题的郎静山、以“画意摄影”著称的骆伯年，还是记录中国西部人物形象的庄学本，他们的审美、技法和艺术表现力放在今天都是一流的。尤其是骆伯年，每一次看到他的作品，都不由得心生赞叹：真美！那是一种“小”的美，灵性的美，如画一般的美。正在三影堂摄影艺术中心举办的“浮光：骆伯年的摄影探索”，聚焦骆伯年1930年至1940年黄金十年的摄影实践与探索，展出了摄影师近百幅极具个人艺术风格的摄影银盐原作。

骆伯年1911年生于杭州，从小接受中国传统文化教育和西方金融教育，毕业后成为中国银行职员，同期开始摄影艺术创作。展览中展出的《汲瓮》，即他发表于1934年的成名作。《汲瓮》的主体为一个背朝观众的玻璃雕塑小人，人物造型颇似安格尔的名画《泉》中的形象，照片以一些树枝与花作为前景，背景的玻璃花纹衬托出人物形象的朦胧，但在光的作用下，这个形象又是非常剔透的，将朦胧与剔透融为一体，是一种很少见的视觉形象。

骆伯年自幼深受中国传统文化的熏陶，他将中国画的“写意”精神融入摄影，一幅幅作品宛如中国水墨画质感，烟雨、孤舟、远山等意象，直接呼应南宋山水画的“残山剩水”美学。如《烟雨归舟》，通过柔焦和雾气渲染，呈现了水墨般的朦胧感。

但他的审美却并不似郎静山那样纯粹的古典，或者说是对中国传统文人画的模仿。他常通过简约构图、虚实对比和留白手法，营造空灵、深远的意境。比如《竹影》，以疏密相间的竹枝与光影交织，模仿水墨画的笔触与气韵，赋予摄影以诗意的东方韵味。《萧萧》以斜角45度对切的构图，表现水中枝叶的倒影，左边碧波荡漾、叶影渐疏，右边浓郁纷乱，显示出极强的生命力与流动感。可以说，身为银行家的骆伯年，他的“业余性”给了他创作最大的自由，“气韵生动”是对他的摄影作品最好的注解。

受早期黑白摄影限制，骆伯年非常注重灰度层次的细腻过渡，他的创作内核是利用光影而非色彩传递情感。即便在彩色摄影普及后，他仍坚持黑白创作，他想要自己的作品呈现纯粹性与古典感。所以，在很多作品里，并没有给人非黑即白的视觉感受，而是朦胧的、闪着滤镜般的柔光效果。这离不开摄影师精湛的摄影技法。

在20世纪西学东渐的背景下，骆伯年当然会受到西方艺术的影响，但他拒绝完全西化的技术崇拜，他既使用西方暗房技术（如叠印、拼贴），又保留中国画的空间意识。他擅长使用柔焦、多重曝光和暗房合成技术，并不以写实为拍摄的目的，而是在创作中传递自己的美学思想，强化画面氛围感。

在展览中，除了人文风光和景物摆拍，还有一类创作非常引人注目，这便是骆伯年的实验拼贴系列。在这个系列里，他突破了传统纪实，走向抽象化。如《影》系列通过光影切割与几何构图，将日常景物（如窗棂、栏杆）转化为线条与块面的组合，展现现代主义的形式感。

在骆伯年同一时期，以毕加索为代表的立体画派正在西方如火如荼，骆伯年虽然探索着几何图形在摄影作品中的表现，却和毕加索的立体主义并不相同——依然是带有中国审美根基的几何探索。这些作品让我想到了小时候过年剪的窗花，那些以正方形为中心向外辐射的形式感使人极度舒适，也许这是中国人天圆地方的宇宙观的另一种写照。

骆伯年不仅是一位优秀的摄影家，更是一位洞察生活本质的智者。他曾在《中行生活》杂志上发表文章，提出“生活的艺术化”理念，将摄影视为调剂生活的方法，而非一份事业。旁观者清，正是他这种轻松而不失严谨、自由而不乏深度的创作态度，使得他的摄影作品充满了生活的气息与艺术的魅力。在动荡的20世纪中期，这些摄影作品不仅是他摄影生涯的见证，更是他的精神寄托。如今，当我们观赏着这些因岁月侵蚀而微微泛银光的摄影原作时，仿佛能够感受到那些曾经梦一般回闪的时光，以及一颗追求美与平静的内心。